台灣領銜馬德里Hybrid藝博會十年首任主題國展現當代藝術軟實力

台灣榮膺馬德里Hybrid藝博會創會十年來首位主題國，於3月5日至8日在聖塔芭芭拉宮精品飯店推出「台灣潮—間歇之力」專題展，由走路草農/藝團策劃，集結劉星佑、陳漢聲、陳昱榮、羅懿君、楊寓寧、江枚芳及李恆等七位藝術家，展出逾六十件跨域作品，並透過兩場沈浸式展演，將台灣當代藝術的獨特能量與文化主體性推向國際舞台，引發西班牙藝壇高度關注。

十年首任主題國台灣當代藝術登陸馬德里

Hybrid Art Fair作為馬德里三月藝術週最具顛覆性的指標性活動，十年來首次設立主題國便選定台灣，別具戰略意義。駐西班牙代表處文化組長張祐瑄指出，這不僅是台西文化交流的重要里程碑，更凸顯台灣當代藝術在國際視野中的能見度與認可度。有別於傳統藝博會的商業導向，Hybrid藝博會以實驗性、跨界混搭與沈浸式體驗為核心價值，每年將精品飯店的客房與公共空間轉化為充滿活力的當代藝術場域，吸引大量策展人、收藏家與藝術愛好者。

本次「台灣潮—間歇之力」專題展佔據飯店一樓側邊五個展間，形成獨立的台灣當代藝術專區。策展團隊走路草農/藝團以「間歇之力」為概念主軸，試圖捕捉台灣文化在歷史斷裂、地理邊緣與全球資本流動中，所展現出的韌性與爆發力。這種「間歇」並非靜止的停滯，而是如同地殼板塊運動般的蓄積與釋放，反映在藝術家對於工藝、書畫、攝影、新媒體與複合媒材的多元探索中。展覽空間設計刻意打破白盒子框架，利用飯店房間的私密性與公共走廊的流動性，創造出觀展動線的層次感，使觀眾在穿梭過程中逐步建構對台灣當代藝術的立體認識。

七位藝術家多元媒材詮釋台灣文化主體性

七位參展藝術家各自從不同面向切入台灣的文化肌理。劉星佑的作品聚焦於數位時代下的身份認同，運用新媒體技術解構傳統符號；陳漢聲則以攝影與錄像裝置，探討都市空間中的記憶殘留與情感拓撲。陳昱榮與羅懿君分別透過AI演算法與經濟作物材料，展開對科技與殖民性的批判性對話。楊寓寧的複合媒材創作融入自然材質與身體感知，呈現東方哲學的當代轉譯；江枚芳以細膩的工藝技法，重探女性勞動與家庭空間的政治性；李恆的書畫作品則在傳統筆墨中注入現代視覺語彙，展現台灣水墨的革新路徑。

這樣的藝術家組合，刻意跨越世代與媒材界線，從數位原生代的演算美學到根植土地的物質研究，從性別政治到殖民歷史，建構出一幅台灣當代藝術的切片式圖譜。每件作品都至少展出八至十件系列創作，確保觀眾能深入理解藝術家的創作脈絡，而非僅止於點狀的視覺印象。文化組在展品選擇上特別強調可運輸性與裝置彈性，以因應飯店型藝博會空間限制，同時不失策展論述的完整性。

甘蔗啞鈴與糖業歷史羅懿君探討勞動身體政治

3月6日舉行的「藝術奧林匹克—糖、力量、健身」工作坊，成為本次台灣主題國活動最具話題性的展演。羅懿君長期關注台灣經濟作物的殖民史與全球化脈絡，此次她展出以甘蔗渣翻模、混合菸草製成的啞鈴與壺鈴等健身器具，將糖業勞動的身體記憶轉化為當代健身文化的物質隱喻。這些看似功能性的器材，實則承載著台灣從清代、日治到戰後以蔗糖換取外匯的血汗史。

展演現場，駐西班牙代表處文化組特地聘請當地專業健身暨瑜伽教練，帶領二十餘位參與者使用這些「甘蔗啞鈴」進行實際訓練。當參與者舉起這些散發淡淡蔗香與菸草味的器材時，身體的勞動感與歷史的重量產生直接連結。羅懿君在解說時強調：「糖在過去是越多越好，代表經濟產能；但現代人卻視糖為健康敵人，必須透過健身將其燃燒。」這種價值翻轉揭示了身體如何成為資本主義生產邏輯的終端戰場，也讓參與者體驗到藝術如何介入日常實踐，開啟批判性思考。

這場結合勞動史、身體政治與參與式藝術的工作坊，不僅讓西班牙觀眾認識台灣糖業的歷史傷痕，更透過親身體驗理解後殖民身體的當代處境。許多參與者在課程結束後表示，這是他們首次在藝術博覽會中「流汗」，這種具身性的知識生產模式，正是Hybrid藝博會所倡議的顛覆性體驗。

AI演算法與殖民記憶陳昱榮建構音像空間詩學

3月7日的「擬聲殘像」現場音像表演，由陳昱榮將飯店展間轉化為一個具備有機生命的演算空間。表演以AI演算法為核心生成機制，透過即時程式編碼與生成式聲響的對話，讓光線與聲音在空間中動態交織。陳昱榮採用他在台灣、西班牙、荷蘭等地以3D掃描採集的建築空間影像，這些殖民時期遺留的建築紋理成為演算模型的訓練資料，使AI在生成過程中不斷重演殖民空間的記憶殘影。

表演歷時四十五分鐘，觀眾席地而坐，置身於四面環繞的投影與立體聲場中。陳昱榮現場操作程式參數，讓AI自主生成視覺與聽覺元素，同時透過手動乾預介入演算過程，形成人機共創的即時美學。他解釋：「這些被掃描的空間都承載著被殖民的歷史，AI不僅是技術工具，更是記憶的放大器與扭曲鏡，它將不同地理的殖民經驗壓縮在同一個時間切片中。」

特別的是，表演中穿插了台灣原住民古調的演算變形，以及西班牙佛朗明哥節奏的數位解構，這種聲音的文化混種進一步強化了殖民與被殖民者之間的聲音政治。現場觀眾反映，這種沈浸式的音像體驗打破了他們對「台灣藝術」的刻板印象，看見一個同時深植歷史又前瞻技術的創作主體。陳昱榮的作品證明，台灣當代藝術不僅能回應全球性的技術議題，更能從自身的後殖民經驗提出獨特的批判視角。

飯店型藝博會的顛覆性策展策略

Hybrid Art Fair的成功，在於其反制式化的策展邏輯。相較於傳統藝博會的標準展位，飯店房間的居家氛圍迫使藝術家與策展人思考作品與生活的關係。台灣專題展佔據的五個房間，分別被規劃為「歷史記憶室」、「身體勞動室」、「數位生成室」、「物質研究室」與「書畫革新室」，每個空間都保留飯店原有的床鋪、衣櫃與衛浴設施，藝術作品則如日常物件般散置其中。

這種居間性（in-betweenness）的展示策略，讓觀眾在窺看與凝視之間產生微妙的心理位移。例如江枚芳的織品裝置直接鋪陳在飯店床上，暗示女性勞動與家務空間的不可見性；李恆的書法作品則懸掛在浴室鏡面旁，水墨的流動性與鏡中倒影形成互文。這種策展手法不僅考驗藝術家的空間適應能力，更創造出傳統美術館無法提供的親密觀展經驗。

文化組長張祐瑄透露，此次策展歷時六個月籌備，最大的挑戰在於跨國運輸與場域限制。許多大型裝置作品必須就地取材或模組化重組，例如羅懿君的甘蔗啞鈴便是在馬德里當地製作，使用西班牙本土的甘蔗渣與菸草，這種在地化生產反而強化了作品與展覽場域的連結。此外，文化組也與馬德里當地台僑社群合作，邀請僑民擔任展覽志工，形成官方外交與民間軟實力的協作網絡。

此次台灣主題國的設立，不僅是藝術作品的輸出，更是一套文化論述的整體輸出。從策展概念、藝術家選擇到展演設計，都圍繞著「間歇之力」這一核心，試圖向國際藝壇傳達：台灣的藝術能量並非連續性的線性發展，而是在歷史的斷裂、地理的孤絕與政治的夾縫中，不斷迸發出的創造性火花。這種論述策略，成功地在國際藝術市場中建立台灣的獨特品牌識別。